Konzept
Die Kunst von Ruth Nasca lässt sich nicht ohne weiteres kategorisieren; man könnte sie als figurativen Expressionismus bezeichnen. Sie hatte einen einzigartigen Zeichen- und Malstil, bei dem sie die Farben locker und frei auftrug und sie oft direkt auf der Oberfläche mischte. Ihr Werk umfasst ein breites Spektrum an Themen, wie Beziehungen, Sex, aktuelle Ereignisse, allgemeine und Kunstgeschichte, Popkultur und Reisen. Betrachter beschreiben ihre Kunst oft als kühn, kantig und provokativ. Wenn die Leute sie fragten, was ein Werk bedeute, sagte sie es ihnen nicht, sondern fragte sie, was es für sie bedeute. Sie verwendete eine Vielzahl ungewöhnlicher Materialien, darunter Masonit, Plexiglas, Vinyl, Collagen, Klavierscharniere und Filmplakate.
Es ist nicht nötig, sie als Expressionistin, Postmoderne oder Feministin zu bezeichnen. Es mag bequem sein, sie als Feministin zu bezeichnen, denn sie war eine arbeitende Künstlerin, die auch eine Frau, eine Mutter und eine Tochter war, aber ihr Leben und ihr Werk entziehen sich einer solchen Klassifizierung. Ihre Stimme war einzigartig, und fast alle ihre Werke zeigen die menschliche Gestalt. Sie war eine figurative Malerin, und wie Francis Bacon hat sie selten ein Gesicht vollendet; auf keinem ihrer Gemälde sind exakte Gesichter zu sehen. Die vagen Gesichtszüge erlauben es uns, uns auf die Figuren, die Farben und den namenlosen "Jedermann" oder die "Jedfrau" ihrer Bilder zu konzentrieren. Wir sehen auch, dass Ruth mehr auf den Fluss des Gemäldes und die ineinander verschlungenen Figuren achtet als auf die Emotionen in ihren Gesichtern. Oft sind die Gesichter gedämpft - wir wissen nicht, ob die Person zufrieden in den Armen ihres Geliebten liegt oder schläft.
In ihrer Erklärung als Künstlerin hatte sie geschrieben: "Menschen sind für mich wichtig. Seit 1990 schaffe ich Plakatbilder, indem ich das Aktmodell mit Ölpastellkreiden direkt auf Filmplakate zeichne. Der Prozess wird mit Acrylfarben fortgesetzt, wobei ich ausdrucksstarke Farben, starke Formen und kühne Zeichnungen verwende, um dem Kunstwerk eine neue Bedeutung zu verleihen. Wer meine "veränderte Kunst" betrachtet, sieht vielleicht sexuelle Bilder, die originelle, sensible Kompositionen sind. Ich fand die Individualität des Gesichts ebenso wichtig wie die menschliche Form.
Mitte bis Ende der 1960er Jahre tauchen in vielen ihrer Werke immer wieder Bilder von Babys und Kindern auf. Im Nachhinein kann man sagen, dass dieses Thema darauf zurückzuführen ist, dass sie eine Frau und Mutter war, denn in der Kunst ihrer männlichen Kollegen fehlt diese Symbolik deutlich.
Ruth war sich nicht nur der modernen und zeitgenössischen Kunst bewusst, sondern der gesamten Kunstgeschichte. Einige ihrer Titel verweisen eindeutig auf die bedeutenden Maler der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Sie nahm unter anderem Anleihen bei der Gruppe der Blauen Reiter, den deutschen Expressionisten und natürlich den abstrakten Expressionisten. Sie wurde auch von vielen modernen Meistern beeinflusst - Goya, Picasso, Modigliani, Matisse und anderen. Man kann sehen, wie ihre Farbpalette von den kräftigen und satten Farben von Matisse beeinflusst wurde, zusammen mit seinen konturierten Figuren, die mit helleren Hintergründen kontrastiert werden. Man kann auch eine Ähnlichkeit zu der Art und Weise erkennen, wie Philip Guston Pastellfarben mit pfirsichfarbenen und rosa Hauttönen manipulierte. In anderen Gemälden ist der Einfluss ihrer Kollegen und Mentoren wie Willem de Kooning, David Park, Larry Rivers und anderen wichtigen amerikanischen Malern der Moderne zu erkennen. Wir sehen auch ihre Verbindung zu Rauschenbergs bedeutenden Combines.
Auf zeitgenössische Art und Weise erforschte sie den Rhythmus und das Fließen der menschlichen Form auf Masonit oder Papier durch die Verwendung von Acrylfarbe und Ölpastell. Das Besondere an ihrem Werk sind die mit "Vinylschleiern" überzogenen Gemälde. Das Gemälde soll mit dem aufgemalten durchsichtigen Schleier betrachtet werden, der das darunter liegende Gemälde auf Masonit bedeckt. Wenn man den Schleier anhebt, kann man die Bilder darunter fast wie ein separates Gemälde betrachten. Der Schleier kann für die Art und Weise stehen, wie man sich selbst der Welt gegenüber darstellt, und das Bild darunter ist dann der verborgene Aspekt oder das Unterbewusstsein.
Im Grunde genommen widersprechen Ruths Bilder unseren Erwartungen. Sie hatte zwar ihren Anteil an Schwierigkeiten, aber die waren alle nur nebensächlich, um Kunst zu machen. Sie tangierten ihre eigentliche Aufgabe - einfach weiter zu schaffen. Sie wollte weder inhaltlich noch kontextuell das Establishment auf den Kopf stellen, aber sie wollte einen einzigartigen Beitrag dazu leisten, wie wir Kunst sehen, warum wir Kunst sehen und wie wir Kunst machen, die sinnvoll ist. In Ruth Nascas Kunst steckt immer mehr, als man auf den ersten Blick sieht.
