Die Anfänge der zeitgenössischen Kunst
Zeitgenössische Kunst ist in den letzten Jahren zu einem alltäglichen Anblick geworden.
Nicht nur in Museen und Galerien, in denen Kunstwerke ausgestellt werden, sondern auch an verschiedenen Orten in der Stadt sind Werke zeitgenössischer Kunst zu sehen.
Aber was genau bedeutet "zeitgenössische Kunst"? Auf welchen Zeitraum bezieht sich der Begriff "zeitgenössische Kunst"?
In diesem Artikel werden wir diese Fragen beantworten.
Der beste Weg, Kunst zu verstehen, besteht darin, die jeweiligen Künstler und ihre Werke kennen zu lernen. Hier sind zehn Personen, die Ihnen helfen können, etwas mehr über die "zeitgenössische Kunst" zu verstehen, von der oft gesagt wird, sie sei nicht bekannt.
Prominente zeitgenössische Künstler des 20. Jahrhunderts, 1910 - 50er Jahre
(1) Marcel Duchamp.
Springbrunnen 1917.
Marcel Duchamp wird meist als Begründer der zeitgenössischen Kunst genannt, weil sie sich radikal von der früheren Kunst unterscheidet. Vielleicht kennen Sie seinen Fountain, ein Werk, bei dem er einfach ein Männerurinal auf den Kopf gestellt und seine Unterschrift darauf geschrieben hat.
Sie haben vielleicht den Eindruck, dass Kunst etwas ist, das man intuitiv fühlt, bevor man darüber nachdenkt, dass sie schön, lustig oder wunderbar ist.
Was Duchamp jedoch mit The Fountain zeigte, war eine Kritik an solchen konventionellen Bildern und die Präsentation einer neuen "Kunst".
Duchamp kategorisierte Kunst im herkömmlichen Sinne als "Netzhautmalerei". Die Definition von Kunst war, dass sie auf der Netzhaut genossen werden konnte, dass sie nur auf visuelle Reize hin angenehm und vollständig war.
Duchamp hingegen definierte sein Werk als etwas, das man "mit den Gedanken genießen kann".
Das männliche Urinal selbst ist weder schön noch handwerklich meisterhaft noch geheimnisvoll. Er sagt, dass der Akt der "Kunst" erst dann zustande kommt, wenn etwas, das retinotopisch keinen Wert hat, als "Kunstwerk" oder "Kunst" präsentiert wird und wenn es vom Betrachter = dem menschlichen Denken gewürdigt wird.
Dieser Perspektivwechsel bedeutet, die passive Haltung, dass "etwas von Natur aus Schönes Kunst ist", aufzugeben und sich die Frage zu stellen, "welche Bedeutung oder welchen Hintergrund hat das". und dem Werk mit einer aktiven Haltung zu begegnen, die tief in das Werk eindringt und fragt: "Was ist die Bedeutung und der Hintergrund dieses Werks?
Eine solche Arbeit ist nicht immer angenehm, und nicht jeder ist in der Lage, das Werk so zu würdigen, wie es wünschenswert wäre.
Duchamps Ansatz bestand darin, selbst dies als Voraussetzung zu akzeptieren und alle am Akt der Betrachtung beteiligten Elemente - das Werk, den Hintergrund des Künstlers, die Bedingungen und den Hintergrund des Betrachters zu diesem Zeitpunkt - als wesentliche Elemente bei der Entstehung eines "Kunstwerks" zu betrachten.
Duchamp gelang es, diese Grundhaltung anschaulich darzustellen, deren Geist auf die meisten heute tätigen zeitgenössischen Künstler übergegangen ist.
(ii) Pablo Picasso.
Pablo Picasso ist ein weiterer sehr beliebter historischer Künstler.
Eine berühmte Anekdote besagt, dass das erste Wort, das er sprach, "Lapiz" war, was auf Spanisch "Bleistift" bedeutet.
Obwohl Picasso sich als frühreifes Genie einen Namen machte, ist er auch dafür bekannt, die westliche Kunst zu revolutionieren.
Er schuf die als "Kubismus" bekannte Kunstrichtung.
In der Perspektive, einer für die westliche Kunst charakteristischen Art der Raumwahrnehmung, gibt es eine klare Regel: Es gibt einen Fluchtpunkt auf der horizontalen Linie, der auf das Auge des Künstlers zentriert ist, und wenn sich die Objekte vom Blickpunkt entfernen, konzentriert sich die gesamte Landschaft auf den Fluchtpunkt. Diese Technik wurde angewandt, um die Tatsache genau auszudrücken, dass große geometrische Objekte, wie z. B. Gebäude, zu schrumpfen scheinen, wenn sie sich vom Betrachter wegbewegen.
Picasso lehnte sich jedoch, auch unter dem Einfluss von Paul Cézanne und anderen, gegen eine solch einheitliche Raumwahrnehmung auf.
Die Töchter von Avignon, 1907.
Die Figuren haben ein unverwechselbares Gesichtsaussehen, das stark von der Kombination von Teilen der physischen Form aus verschiedenen Blickwinkeln und von den Masken und Tonfiguren der alten afrikanischen Kunst beeinflusst ist.
Wie nehmen wir die Wirklichkeit wahr? Picasso gelang es, diese Frage auf einzigartige und lebendige Weise zu beantworten.
Selbst bei der Darstellung von Akten geht es nicht wie früher um einen erotischen Appell, sondern darum, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf den Raum selbst zu lenken, auf den Akt der zweidimensionalen Darstellung von drei Dimensionen an sich.
(iii) Henri Matisse.
Matisse, auch bekannt als der "Magier der Farbe", ist einer der berühmtesten Maler des 20. Jahrhunderts.
Jahrhunderts. Während Picasso den Ausdruck der Form revolutionierte, befreite Matisse den Farbausdruck von der Realität. Er war sich bewusst, dass er mit der Farbe und nicht mit der Form zeichnete.
Rote Harmonie, 1908.
Dieses Werk wird oft als das Meisterwerk von Matisse bezeichnet. Das kräftige, leuchtende Rot ist die Hauptfarbe, und das blaue Arabeskenmuster, das Muster von Tapeten und Tischdecken, wird mit größerer Präsenz als Muster dargestellt.
Der Effekt ist, dass der Raum im Sinne von Tiefe verschwindet, so dass nur noch die flachen Farben sichtbar sind.
Neben den Ölgemälden war er auch im Bereich der Scherenschnitte tätig und fertigte in seinen späteren Jahren häufig Scherenschnitte an.
Säule - Unterschiede zur nicht-zeitgenössischen Kunst.
Die zeitgenössische Kunst ist klar von der "modernen Kunst" zu unterscheiden, die sich auf die ihr unmittelbar vorangehende Epochenkategorie bezieht.
Der Begriff "modern" bezieht sich im Allgemeinen auf die Periode der kapitalistischen und bürgerlichen Gesellschaft nach der feudalistischen Ära und dem Mittelalter, d. h. auf die Ära des "Individualismus" und der "Demokratie".
Die Moderne bezieht sich auf eine Haltung, die die Rechte und Freiheiten des Einzelnen gegenüber der staatlichen und gesellschaftlichen Autorität respektiert. Auch in der Kunst war die Moderne durch eine Wertschätzung von Freiheit und Individualität gekennzeichnet.
Im Gegensatz dazu steht die zeitgenössische Kunst, die seit den 1960er Jahren entstanden ist, unter der Prämisse des "Genusses des Konzepts", den Duchamp begründet hat. Auch wenn es natürlich viele Werke gibt, die für das Auge interessant sind und die Sinne erfreuen, ist es wahrscheinlich am besten, die großen Werke als diejenigen zu betrachten, die aufgrund der Kenntnisse des Künstlers und der Ideen, die dem Werk zugrunde liegen, besser verstanden werden können.
Im 21. Jahrhundert sind die Stile ausgereift und von Individuum zu Individuum völlig unterschiedlich, wobei sich die meisten Künstler weigern, sich wie in der Vergangenheit einer bestimmten Kunstrichtung zuzuordnen.
Prominente zeitgenössische Künstler des 20. Jahrhunderts, 1960er bis 1990er Jahre.
(iv) Jackson Pollock.
Jackson Pollock ist eine führende Figur des Abstrakten Expressionismus und einer der berühmtesten Künstler der amerikanischen Nachkriegskunst.
Er prägte das Bild des Künstlers als "rebellischer Rüpel", der seine Arbeit fortsetzte, obwohl er alkoholabhängig war, und der in seinen letzten Tagen mit seinem Auto gegen einen Strommast prallte.
Konvergenz, 1952
Pollock ist vor allem für die Entwicklung einer neuen Produktionsmethode bekannt, die als "Action Painting" bezeichnet wird.
Normalerweise werden die Leinwände auf einer Staffelei aufgestützt und senkrecht zum Boden ausgerichtet. Pollock malte jedoch, indem er die Leinwand auf den Boden legte und ohne Pinsel Farbe darauf spritzte, eine Technik, die als "drip painting" bekannt ist.
Man kann sagen, dass er die gesamte Leinwand mit einer gleichmäßigen Wärmemenge bemalte = eine All-Over-Malmethode. Pollocks Revolution bestand auch darin, die Tiefe aus der Bildfläche verschwinden zu lassen, so dass die gesamte Fläche der Bildfläche als "Gemälde" dasteht.
Der Schwerpunkt lag nicht auf dem Bild als fertigem Ergebnis, sondern auf dem Prozess des Malens, d.h. der Aktion.
5) Andy Warhol
Warhol arbeitete zunächst als Illustrator für Bilderbücher und Werbung.
In seinen Dreißigern begann er, Kunstwerke zu schaffen, in denen er massenproduzierte und kopierte Gegenstände wie Campbell's-Suppendosen und Dollarnoten als Motive verwendete. Obwohl er anfangs wegen seines bewussten Umgangs mit der Massenkultur und der Massenkonsumgesellschaft scharf kritisiert wurde, wurde sein Werk allmählich als neue Kunstform, die "Pop Art", anerkannt, und er schuf ein spektakuläres Image an der Seite von Popstars aus der Musik- und Filmindustrie.
Warhol sagte: "Wenn du alles wissen willst, schau dir nur die Oberfläche an". Er war gründlich darin, sich selbst zu inszenieren, sowohl in Bezug auf sein Äußeres als auch in dem Sinne, dass seine Arbeit keine tiefere Bedeutung hatte und es nur darum ging, was er sah.
Er gründete auch sein eigenes Studio, die Factory.
Es wurde mit der Absicht geschaffen, seine Arbeit effizient zu produzieren, wie eine Fabrik, und auch, um ein breites Spektrum von Menschen einzuladen und mit ihnen zu interagieren, von Berühmtheiten aus der Ecke bis hin zu Vagabunden.
Die Factory war auch als "The Silver Factory" bekannt, da der gesamte Innenraum mit Silber verkleidet war. Warhol beschäftigte Kunstarbeiter, die so genannten "Art Workers", die eine Reihe von Meisterwerken herstellten.
Dieses fabrikähnliche Verfahren war nicht das erste von Warhol, sondern in Europa schon lange üblich. Große Maler der Vormoderne wie Tizian und Rubens unterhielten ebenfalls eigene Werkstätten und beschäftigten eine große Zahl von Lehrlingen, die ihre eigene Arbeitslast auf ein Minimum reduzierten, um große Mengen hochwertiger Werke zu produzieren.
(vi) Cindy Sherman.
Ihre konzeptionellen Selbstporträts, in denen sie sich selbst als Subjekt darstellt, sind repräsentativ für ihr Werk. Am bekanntesten ist die Fotoserie 《 Untitled Film Stills 》, in der sie sich als Schauspielerin in klischeehaften Posen aus beliebten Filmszenen der 1950er Jahre verkleidet hat.
Als Student malte Sherman Gemälde im superrealistischen Stil, aber erst einer seiner Kontakte zu Künstlern wie Adrian Piper, dessen Werk auf fotografischem Ausdruck beruht, brachte ihn dazu, die Fotografie zu seinem Medium zu machen.
Er begann, die Fotografie als Medium für seine eigenen Arbeiten zu nutzen, wie z. B. Bus Riders, eine Serie von Fotografien, für die er sich als verschiedene Fahrgäste eines Busses verkleidete, und Untitled Film Stills, eine Serie von Werbefotografien, die an Filmsets aufgenommen wurden und deren Inhalt an eine Filmszene erinnert.
Sherman trägt alte Kleider und Perücken und verkleidet sich als verschiedene Frauen. Laut Sherman ließ sie sich von stereotypen Frauenrollen in Hollywoodfilmen der 1950er und 1960er Jahre, Film noir, B-Movies und italienischen Avantgardefilmen inspirieren.
(vii) Joseph Beuys.
Joseph Beuys ist berühmt für seine skulpturalen Arbeiten aus Fett und Filz, für Aktionen und Dialogtreffen sowie für seine Interventionen in politischen und ökologischen Fragen.
Er nannte seine Praxis "soziale Plastik" und erweiterte damit seine Aktivitäten über die traditionellen Kategorien der Kunst hinaus.
Seit seiner Kindheit interessiert er sich für die Natur und Tiere und wählte sie als Materialien für seine Arbeit aus, nachdem er in seinen frühen Zwanzigern während seines Militärdienstes verwundet worden war und von einheimischen Tataren mit Fett und Filz behandelt wurde.
Als Kernmitglied der Kunstgruppe Fluxus präsentierte er verschiedene Aktionsarbeiten, darunter eine, in der Beuys, dessen Kopf mit Blattgold und Honig bedeckt ist, ein totes Kaninchen in den Armen hält und es sein Gemälde berühren lässt, und eine andere, in der Beuys mit einem Krankenwagen vom Flughafen, an dem er in den USA ankam, zu einer Galerie mit Kojoten gebracht wird, wo er eine Woche lang lebt, bevor er wieder nach Deutschland zurückkehrt. Er reiste wieder nach Deutschland ab und kritisierte die Unterdrückung der amerikanischen Gesellschaft gegenüber den indigenen Völkern, indem er nur die Aktion mit dem Kojoten hervorhob.
Prominente zeitgenössische Künstler, die noch leben.
(viii) Anish Kapoor.
Kapoor ist ein britischer zeitgenössischer Künstler, der in Mumbai, Indien, geboren wurde.
Er ist international für seine philosophischen und taktilen Werke bekannt, die uns intuitiv über Farbe, Licht, Wahrnehmung und Raum nachdenken lassen.
Dieses dreidimensionale Werk, das mit der Farbe "Benta Black", der schwärzesten Substanz der Welt, gemalt wurde, weist keinerlei sichtbare Wölbungen oder Vertiefungen auf. Ein Werk, bei dem der Betrachter und die dahinter liegende Landschaft auf einen riesigen konkaven Spiegel in seltsam verzerrter Weise projiziert werden. Eine Arbeit, in der groteske rote Klumpen, die wie Eingeweide oder Fleisch und Blut aussehen, mit einer Kanone in einen leeren Raum geschossen werden.
Jedes Werk ist auf den ersten Blick geheimnisvoll, aber die installativen Arbeiten, die den gesamten Raum nutzen, um in die menschliche Seherfahrung und die Grundlagen der Sinne einzugreifen, drücken symbolisch seine einzigartige Sichtweise aus.
(ix) Yayoi Kusama.
In den letzten Jahren hat sich Yayoi Kusama zur meistverkauften Künstlerin der Welt entwickelt.
Im Jahr 2019 machte ihr Werk Berichten zufolge 25 % des Marktes aller Auktionsverkäufe von Kunstwerken von Frauen aus.
Kusamas Innovation liegt in ihrem paranoiden Kunstschaffen und ihrer Fähigkeit, über die Medien hinauszugehen und Performances und ganze Räume als Kunstwerke einzubeziehen.
Ihre ikonischen Kürbis- und Polka-Dot-Motive sind heute in einer Vielzahl von Designs im Alltag zu finden. Ursprünglich handelte es sich jedoch um eine Sammlung einfacher Pointillismen mit dem furchterregenden Ausdruck eines Menschen, der unter psychopathischen Tendenzen leidet.
Ihr Werk ähnelt in gewisser Weise dem von Pollock, denn der ganze Wert konzentriert sich nicht auf das fertige Werk selbst, sondern auf den Prozess. Die Gemälde und Performances werden als Ausdruck der einzigartigen Menschlichkeit von Yayoi Kusama anerkannt, die keine andere Wahl hatte, als sie zu malen.
10) Bruce Nauman.
Bruce Nauman ist einer der führenden amerikanischen Konzeptkünstler.
Er hat eine Reihe von Arbeiten geschaffen, die unabhängig vom Medium zum philosophischen Nachdenken einladen, darunter Werke, die eine radikale Sprache durch Neonröhren präsentieren, Videoarbeiten, die durch Schneiden, Einfügen und Wiederholen menschlicher Bewegungen entstehen, und Werke, in denen Stimmen den Raum durch Lautsprecher durchdringen, die poetische Sätze laut vorlesen.
Im Jahr 2009 vertrat Nauman sein Land auf der Biennale von Venedig, der internationalen Ausstellung, die als Olympiade der Kunstwelt bekannt ist, im Pavillon der Vereinigten Staaten von Amerika, wo er mit dem Goldenen Löwen, der renommiertesten Auszeichnung, ausgezeichnet wurde.
Naumans Werk ist stark von den Arbeiten Ludwig Wittgensteins, einem der führenden Philosophen des 20. Jahrhunderts, in seinen Philosophischen Untersuchungen beeinflusst.
Jahrhunderts, in seinen Philosophischen Untersuchungen. Darin bezeichnet er die gesamte Kommunikation durch Sprache, die wir tagtäglich betreiben, als "Sprachspiel", und seine fragmentarischen und sprichwörtlichen Schriften drehen sich um das Konzept, dass allein die Sprache, d. h. die Art und Weise, wie das Spiel betrieben wird, seine Regeln = die Bedeutung der Worte bestimmt.
Nauman weicht von dieser alltäglichen Funktionsweise ab, indem er Fragmente menschlicher Bewegung und Sprache ausschneidet, vergrößert, wiederholt und hervorhebt. Wir, die Betrachter, werden aufgefordert, über neue Bedeutungen von Handlung und Sprache nachzudenken, die (so könnte der Betrachter denken) durch Naumans Vorgehen zum ersten Mal geschaffen werden.
Schlussfolgerung.
Was ist Ihre Meinung? Eines ist sicher: Das unbekannte und esoterische Feld der "zeitgenössischen Kunst" ist ein kollektives Kunstwerk, das sich aus einzelnen Künstlern und ihren Werken zusammensetzt.
Es ist unmöglich, das gesamte Feld auf einmal zu verstehen, aber wenn Sie versuchen, jedes einzelne Werk auf Ihre eigene Weise zu interpretieren, werden Sie ein besseres Verständnis für die Kunst gewinnen.
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