Georgia O'Keefe, die vor allem für ihre Blumenbilder, Stadtbilder von New York City und Berglandschaften von New Mexico bekannt ist, war eine aktive amerikanische Künstlerin des 20.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts stand O'Keefe als weibliche Künstlerin an der Spitze des amerikanischen Modernismus, was zu dieser Zeit eine Seltenheit war, und wurde als eine der führenden Persönlichkeiten der Bewegung bezeichnet.
Sie ist bekannt für ihre Blumenbilder, in denen farbenfrohe Blüten vergrößert werden, um den Anschein der Abstraktion zu erwecken, und für ihre Landschaften von New Mexico, an denen sie in ihren späteren Jahren arbeitete.
In dieser Ausgabe werfen wir einen Blick auf O'Keeffes Leben und den großen Einfluss, den sie auf die zeitgenössische Kunst hatte.
Rote Canna", 1924.
Grundlegende Informationen über Georgia O'Keeffe
Geboren: 15. November 1887 - 6. März 1986 (gestorben im Alter von 98 Jahren)
Geboren: Wisconsin, USA
Kunstrichtungen: Amerikanischer Modernismus, Präzisionismus
Ausbildung: Kunstschule, angeschlossen an das Art Institute of Chicago, Art Students League of New York, Columbia University
Vertraute Personen: Ehemann, Alfred Stieglitz, führender amerikanischer Fotograf und Kunsthändler
Georgia O'Keeffe's frühes Leben
Georgia O'Keeffe wurde 1887 in eine Farmerfamilie in Sun Prairie, einer Stadt in der Nähe des Michigansees, einem der Großen Seen der USA, geboren.
Die Familie O'Keefe hatte sieben Geschwister, Georgia war das zweite Kind von oben.
O'Keeffe war dafür bekannt, dass er ein äußerst frühes künstlerisches Talent zeigte, und beschloss im zarten Alter von 10 Jahren, Maler zu werden. Gemeinsam mit seinen Schwestern Ida und Anita nahm er Unterricht bei der lokalen Aquarellmalerin Sarah Mann.
Aufnahme in das Art Institute of Chicago, Art Students League
Im Jahr 1905, im Alter von acht Jahren, schrieb sie sich am Art Institute of Chicago ein. Dort gehörte er stets zu den Besten seiner Klasse.
Eine Typhuserkrankung zwang ihn zu einer Beurlaubung von 1906-7, und 1907 schrieb er sich an der Art Students League in Manhattan, New York, ein.
Im Jahr 1908 gewann er den Stilllebenpreis der Art Students League für sein Gemälde Dead Rabbit with a Copper Pot.
Als Belohnung für diesen Preis reiste sie nach New York und besuchte unter anderem die Kunstgalerie "291", deren Mitinhaber ihr zukünftiger Ehemann Alfred Stieglitz war.
Toter Hase und Kupfertopf, 1908.
Wurde Illustrator und dann Kunstlehrer
Als die geschäftlichen und gesundheitlichen Probleme seiner Eltern dazu führten, dass O'Keeffe kein Geld mehr hatte, um sein Studium an der Universität der Künste fortzusetzen, verließ er 1908 die Schule und begann als professioneller Illustrator zu arbeiten.
Er arbeitete bis 1910 und zog noch im selben Jahr mit seiner Familie nach Charlottesville, Virginia, obwohl er an Masern und anderen Krankheiten erkrankt war.
Zu dieser Zeit stellte er die Ölmalerei für etwa vier Jahre ein und soll später gesagt haben, der Geruch von Terpentinöl mache ihn krank.
In dieser Zeit besuchte O'Keeffe eine Sommerschule für Kunstkurse an der Universität von Virginia, wo er den Stil eines Malers namens Arthur Wesley Dow kennen lernte und von dessen Frische beeindruckt war.
Sein Stil war stark designorientiert und von der japanischen Kunst beeinflusst, die damals die Pariser Kunstwelt beherrschte, und O'Keeffe begann, mit eher zweidimensionalen Kompositionen zu experimentieren, statt mit dem traditionellen Realismus seiner früheren Arbeiten.
Zwischen 1912-14 gab er in Amarillo, Texas, Kunstunterricht und arbeitete als Lehrer.
Ohne Titel (Rotunde der Universität von Virginia), 1912 - 1914.
Abstrakte Zeichnungen aus der Columbia-Periode
1915 unterrichtete O'Keeffe einen Kunstkurs an der Columbia University.
Die Kohlezeichnungen, an denen sie zu dieser Zeit arbeitete, gaben ihren eigenen inneren Gefühlen Gestalt und zeigten ihren kreativen Ausdruck.
Die Zeichnungen wurden an einen Freund von O'Keeffe geschickt und erregten schließlich die Aufmerksamkeit von Stieglitz in der Galerie 291.
Er lobte O'Keeffes Arbeiten als "das Reinste, Schönste und Aufrichtigste, was ich seit einiger Zeit in der 291 Gallery gesehen habe", und im April 1916 wurden zehn von O'Keeffes Zeichnungen in der 291 Gallery ausgestellt.
Zeichnung 13, 1915, in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art.
Die Originalität, gleichzeitig ein abstraktes Gemälde und eine Landschaft zu sein
Nachdem er seine Arbeit in Columbia beendet hatte, zog er nach Texas.
O'Keeffe liebte Sonnenuntergänge und Sonnenaufgänge und begann, die Landschaften zu malen, die er auf seinen Spaziergängen sah. Dies ist die Serie der Palo Duro Canyon Bilder. Wenn die Sonne auf- und untergeht, entstehen dramatische Kontraste.
Die Farben der Landschaft in der Dunkelheit und das strahlende Sonnenlicht kommen in dieser Serie hervorragender Werke in leuchtenden Farben zum Ausdruck.
O'Keeffe fertigte nicht so viele Skizzen an, bevor er mit dem Malen der Tableaus begann. Vielmehr war er daran interessiert, sein Werk während des Malens zu improvisieren.
Rote Landschaft, 1916 -1917, Panhandle Historical Museum.
Die Originalität ihres Werks liegt darin, dass es "gleichzeitig eine Abstraktion und eine Landschaft" ist.
Beginnend mit ihrer Gemäldeserie im Palo Duro Canyon erforschte O'Keeffe, wie sie ihre emotionale Seite durch die Einfachheit ihrer Landschaften ausdrücken konnte.
Als sie die Serie von Aquarellen mit dem Titel Light Rising on the Horizon malte, war sie überzeugt, dass sie den einfachsten Ausdruck dessen gefunden hatte, was sie ausdrücken wollte.
Diese Verschmelzung von Abstraktion und Figuration entwickelte sich zu O'Keeffes hervorstechendstem Merkmal, aber ihre wachsende Beziehung zu Stieglitz ermutigte sie, die Aquarellmalerei aufzugeben.
Denn in der Kunstwelt herrschte zu dieser Zeit die Meinung vor, dass Aquarelle nur etwas für Amateurmalerinnen seien.
Von nun an begann O'Keeffe, Tableaus in Ölfarbe zu malen.
Licht, das am Horizont aufgeht, 1917.
Die Stieglitz-Jahre in New York
1918 bot Stieglitz, der 24 Jahre älter war als O'Keeffe, ihr finanzielle Unterstützung und eine Wohnung in New York an.
O'Keeffe entwickelte allmählich eine Beziehung zu Stieglitz, der auch begann, sich mit verschiedenen Malern und Fotografen in seinem Umfeld zu treffen.
Dazu gehörte der Fotograf Paul Strand, der neben Stieglitz' eigenen Fotografien einen großen Einfluss auf sie gehabt haben soll.
Paul Strand, Wall Street, 1915.
Alfred Stieglitz, Steering, 1907, The Metropolitan Museum of Art.
Einfache abstrakte Gemälde mit einem Naturthema.
Um diese Zeit begann O'Keeffe, Gemälde mit Motiven wie Blumen, Blättern und Felsen zu schaffen, die als geometrische Formen gesehen werden können.
Green Apples, gemalt 1922, ist eines seiner repräsentativsten Werke.
Zu der Zeit, als er dieses Werk malte, sagte O'Keeffe.
Nur durch Auswahl, Eliminierung und Betonung gelangen wir zur wahren Bedeutung der Dinge".
Ein weiteres repräsentatives Werk ist Music in Blue and Green, in dem Naturmotive auf geometrische Elemente reduziert werden.
Musik in Blau und Grün, 1921.
Die Zeit der gleichnamigen Blumenbilder von O'Keeffe
O'Keeffe malte im Laufe ihres Lebens rund 200 Blumenbilder", die zu ihrem Meisterwerk wurden.
In ihnen wird das Innere der ursprünglich kleinen Blumen in einem Maßstab dargestellt, der über die riesige Leinwandfläche hinausgeht, wie durch eine Lupe betrachtet.
Die Serien Onigeshi und Red Canna veranschaulichen diese Eigenschaft gut.
Mit ihrer blutroten Färbung beeindrucken diese Werke den Betrachter sofort und verleihen den Blumen ein Gefühl von Leben und sogar eine Art Lebensangst, die mehr als nur schön ist.
Rote Canna, 1928.
Rote Canna, 1927.
Weiblichkeit und Besonderheit in den Gemälden von O'Keeffe
Paul Rosenfeld bemerkte 1922, dass "O'Keeffes Werk von Weiblichkeit durchdrungen ist".
Die Farben und Formen ihrer Gemälde, insbesondere die der Blumen, sollen an die weiblichen Genitalien erinnern.
Die Ansicht, dass O'Keeffes Gemälde Metaphern für die Weiblichkeit sind, wird immer wieder formuliert, aber O'Keeffe selbst hat solche Konnotationen stets zurückgewiesen.
Doch abgesehen von der Debatte über die Bedeutung des Werks steigt der Wert von O'Keeffes Arbeiten weiter an.
Im November 2014 wurde "Jimson Weed No. 1" für 44 Millionen US-Dollar (nach damaligem Wechselkurs etwa 4,66 Milliarden US-Dollar) verkauft.
Dieser Preis war mehr als dreimal so hoch wie der Preis für frühere Werke von Künstlerinnen, was das hohe Ansehen von O'Keeffe zeigt.
Jimson Weed, 1936.
O'Keeffes Wolkenkratzer in New York City.
1925 zog O'Keeffe in eine Wohnung im 30. Stock des Shelton Hotels in Manhattan, New York, und begann, Wolkenkratzer und Wolkenkratzer als Motive zu malen.
Radiator Building ist vielleicht das aufschlussreichste seiner Gemälde, das O'Keeffes Maltechnik und die Geometrie der Vereinfachung offenbart.
Das beleuchtete Shelton Hotel und die Autobahn, die durch die Lücke zwischen den Gebäuden verläuft, schaffen eine magische Atmosphäre.
O'Keeffes einzigartige Verwendung von leuchtenden Farben ist zwar immer noch offensichtlich, aber die zurückhaltende Anzahl von Farben in diesem Werk, die der Nachtszene angemessen ist, macht es zu einem sehr beliebten Werk.
Das Heizkörpergebäude, 1927.
New Mexico, eine Zeit der Reife an einem neuen Ort.
1929 besuchten O'Keeffe und ihre Freundin Rebecca Strand Taos, New Mexico, wo sie große Inspiration fanden.
In Taos wohnten sie bei Mabel Luhan, die zu dieser Zeit Künstlerinnen aktiv unterstützte.
O'Keeffe skizzierte und forschte weiter in der Landschaft des Taos Mountain, den sie von ihrem Haus aus sehen konnte, und in der natürlichen Einfachheit der Landschaft mit ihren schroffen, rauen Felswänden.
O'Keeffes Gemälde von Rinderknochen.
O'Keeffe begann daraufhin, jedes Jahr einen Teil des Jahres in New Mexico zu verbringen und Knochen und Steine zu sammeln, die er bei seinen Wanderungen und Gesprächen am Straßenrand fand.
Diese Motive führten zu einer Reihe von Knochenbildern, die sich mit dem Thema des Todes des Lebens befassten.
Seine Wanderungen durch die Wildnis unternahm er in seinem Lieblings-Ford A.
O'Keeffe hatte eine besondere Vorliebe für das Land New Mexico und erzählte einem Freund.
Es ist ein wirklich schöner, unerforschter, etwas einsamer Ort. Es ist genau die Art von 'weit entferntem Ort', die einem das Gefühl gibt, dass man ihn schon einmal gemalt hat und man ihn noch einmal malen muss."
Um diese Zeit und ab den späten 1930er Jahren entstanden Gemälde mit Kuhschädeln.
Von 1932 bis Ende der dreißiger Jahre wurde ihre Arbeit durch psychische Probleme unterbrochen. Angeblich war dies auf eine Affäre mit ihrem Ehemann Alfred zurückzuführen.
Im Jahr 1936 nahm sie ihre Arbeit jedoch wieder auf, darunter eines der vielleicht bekanntesten Gemälde von O'Keeffe, Summer Days.
In diesem Werk schwebt ein Kuhschädel wie in einem Surrealismus in der Luft und überblickt eine Bergkette und einen Horizont aus roter neumexikanischer Erde.
Die Komposition des Gemäldes behält eine gewisse Nostalgie und Hübschheit bei, vermittelt aber eindeutig ein ausgeprägteres Gefühl für den "Tod" und seine "Trauer" als in den Tagen der Blumenbilder.
Sommertag, 1936.
Eine Arbeit für die Pineapple Company, Hawaii.
Als N. W. Ayer & Son, die wohl älteste Werbeagentur der USA, O'Keeffe um eine Zusammenarbeit bat, stimmte er bereitwillig zu.
Zu den Künstlern, die in der Vergangenheit mit N. W. Ayer & Son zusammengearbeitet hatten, gehörte auch Isamu Noguchi.
Das Projekt führte O'Keeffe nach Hawaii, wo er neun Wochen auf den Inseln Oahu, Maui, Kauai und den Hauptinseln von Hawaii verbrachte.
Vor allem auf Maui hatte er völlig freie Zeit, so dass er sich ganz auf seine Recherchen für die Produktion konzentrieren konnte.
Auf der Grundlage dieser Recherchen vollendete O'Keeffe nach ihrer Rückkehr nach New York 20 sinnliche, hin- und herbewegende Pflanzenbilder.
Ananasknospen, 1939.
Retrospektive Ausstellungen in den USA
In den 1940er Jahren fanden Retrospektivausstellungen im Art Institute of Chicago und im Museum of Modern Art (MoMA) in New York statt.
Eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1946 machte sie zur ersten Künstlerin, die eine Einzelausstellung in diesem Museum hatte.
Gemälde von schwarzen und weißen Landschaften.
Etwa zur Zeit der Retrospektive begann O'Keeffe mit der Serie Black Land and White Land.
Das Schwarze Land, so O'Keeffe, war "wie der Rücken eines Elefanten mit kilometerlangen Elefantenrücken und Sohlen aus weißem Sand".
Im Land von Abiquiú, New Mexico, war das Motiv eine weiße, steile Felswand.
Die Gemälde aus dieser Zeit, die man als eine Reihe von unbunten Schwarz-, Grau- und Weißbildern bezeichnen könnte, sind eher abstrakt.
Schwarzes Land II, 1942, Metropolitan Museum of Art.
Schwarzes Land, Grau und Rosa, 1949.
Das weiße Land, 1941.
O'Keeffes spätere Jahre
In seinen späteren Jahren malte O'Keeffe symbolische Bilder mit einem Himmelsleitermotiv und seltsame, schwebende Bilder, die von oben auf die Wolken herabzublicken scheinen.
Damit wich er von seinem früheren abstrakten Malstil ab, der der Beobachtung treu blieb, und wählte einen kompositorischen Ansatz, der den Betrachter seiner Fantasie überließ.
Auch in seinen späten Jahren suchte O'Keeffe weiter nach neuen Produktionsmethoden, was seinen unstillbaren Appetit auf neue Gestaltungsmöglichkeiten zeigt.
Leiter zum Mond, 1958.
Landschaft über den Wolken IV, 1965.
In den 1960er und 1970er Jahren veranstalteten auch das Worcester Art Museum und das Whitney Museum of American Art Retrospektiven von O'Keeffes Werk.
Das Whitney Museum of American Art gibt auch einen Katalog mit ihren Werken heraus.
In den 1970er Jahren bis zu ihren letzten Lebensjahren 1984 arbeitete O'Keeffe weiterhin mit Bleistift, Kohle und Aquarellfarben.
Wie O'Keeffe angesehen wird
Anerkennung als Feministin
Die Künstlerin Judy Chicago, die die feministische Bewegung förderte, ließ in ihrem Buch The Dinner Party (1979) die Geschichte der Künstlerinnen Revue passieren, wobei sie O'Keeffe als "die erste Person, die eine sinnliche, feministische Ikonographie in die Kunstgeschichte einbrachte", besonders hervorhob. O'Keeffe selbst war jedoch keine Feministin.
O'Keeffe selbst vermied es jedoch, als Feministin, als Künstlerin, die diesen Begriff vertritt, oder als "weibliche Künstlerin" bezeichnet zu werden.
Sie zog es vor, einfach als "Künstlerin" bezeichnet zu werden.
Der metaphorische Charakter der Blumenbilder
Von Anfang an wurde darauf hingewiesen, dass O'Keeffes Serie von Blumenbildern die Vulva der weiblichen Genitalien symbolisiert.
Der Kunsthändler Samuel Coutts wandte sich gegen die sexuelle Darstellung in ihren Werken.
O'Keeffe selbst vertrat jedoch die Ansicht, dass es keinen Zusammenhang zwischen den Gemälden und dieser Darstellung gab.
O'Keeffe argumentierte, dass "diejenigen, die erotische Themen in meine Bilder hineinlesen, eher ihre eigenen Wünsche in sie hineinlesen".
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Mohnblumen blühen weiter von Jooha Sim
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