Chroma Distance, eine Ausstellung von 12 aufstrebenden Künstlern, wird vom 20. Januar bis 5. Februar 2023 zu sehen sein.
Die Ausstellung wird gemeinsam von POLA ORBIS HOLDINGS INC. und TRiCERA Corporation organisiert und findet im POLA MUSEUM ANNEX (Ginza, Chuo-ku, Tokyo) statt.

Chroma-Abstand

Die ausstellenden Künstler und die gezeigten Werke unterscheiden sich in Bezug auf Medium, Maßstab und Konzept voneinander, interagieren aber gleichzeitig innerhalb einer einzigen Gemeinschaft. Die Werke zeigen ein breites Spektrum an konzeptionellen Anliegen, von intimen Darstellungen der Identität über Zerfall und Generation bis hin zur Überschneidung von Epochen und der wachsenden Dringlichkeit, tragische Ereignisse der Vergangenheit zu überwinden. Durch abstrakte und figurative Techniken erforschen die Künstler ein Gefühl für den Raum und betrachten Form und Textur als Grundlage für die Form.
Die Ausstellung wird insgesamt etwa 40 Werke zeigen, darunter neue Arbeiten von 12 Künstlern.

Überblick über die Veranstaltung

Chroma-Abstand
Termine: 20. Januar (Fr) - 5. Februar (So), 2022 *Geöffnet während der gesamten Ausstellungsdauer.
Öffnungszeiten: 11:00 - 19:00 (Türen bis 18:30 geöffnet)
Eintritt frei
Veranstaltungsort: POLA MUSEUM ANNEX
POLA Ginza Bldg. 3F, 1-7-7 Ginza, Chuo-ku, Tokyo 104-0061)
Zugang: 6 Minuten Fußweg von der Tokyo Metro Ginza 1-chome Station (Ausgang 7) / Tokyo Metro Ginza Station (Ausgang A9)
Organisiert von: POLA ORBIS HOLDINGS INC.
Mitorganisiert von: TRiCERA Co.

Teilnehmende Künstler

1. Yuka Numata
Wo existiert unser "Reales" in der zunehmend digitalisierten Welt von heute?
Supermärkte sind einer der Orte, an denen wir die Realität in unserem täglichen Leben erleben.
Supermärkte sind die Orte, an denen wir alle Lebensmittel finden, die wir für unser tägliches Leben brauchen, und an denen unser Leben unterstützt wird.
Diese Verpackungsserie gehört zu einer Reihe von Arbeiten, die zum Thema eines fiktiven Supermarkts entstanden sind. Sie zeichnet sich durch die Verwendung von Bildbearbeitungssoftware wie Photoshop aus, mit der Fehler und Fehlstellungen in den Bildern von Produktverpackungen erzeugt werden.
Indem wir eine Situation, die sich nur auf einem Computer abspielen konnte, mit analogen Methoden rekonstruieren und in der realen Welt neu installieren, können wir vielleicht nach unserer eigenen "Realität" suchen.

Taro-Kohl, 2022, Kunststoffperlen, Acrylplatte H465 × B700 × T10mm

2. saki matsumura
Beim Malen mit mehreren Techniken und Farben kommt es zu Überschneidungen und Verzerrungen. Wenn du diese unerwarteten Effekte entdeckst, wird dir klar, welche Art von Empfindungen du normalerweise hast, und es erweitert auch deine Vorstellungskraft für neue Empfindungen.
Wir glauben, dass die Vorstellungskraft des Unsichtbaren zu einer sich ständig verändernden Art und Weise führt, die Welt um uns herum zu betrachten und mit ihr in Beziehung zu treten.

FORM-vortex 4, 2022, Acrylfarbe, Holzplatte, Baumwollstoff H1621 × B1303 × T50mm

3. u-ku
Wir erleben unbewusst immer wieder "Unfreiwilligkeit und Entscheidungen". Als U-ku als Kind ins Ausland emigrierte, erlebte sie sowohl die durch kulturelle und sprachliche Unterschiede verursachte Einsamkeit als auch die emotionale Einsamkeit, die sie als "Rückkehrerin" nach ihrer Rückkehr erlitt. Die ähnlichen Empfindungen, die er danach bei zahlreichen Gelegenheiten hatte, traten beide unter der Bedingung auf, dass er sich in einer Gruppe befand.
Auch der Philosoph Kiyoshi Miki sagte: "Die Einsamkeit liegt nicht in den Bergen, sondern in der Stadt. Sie liegt nicht in einer Person, sondern in dem 'Raum' zwischen vielen Menschen". Ich dachte jedoch, dass diese Einsamkeit auch eine Gelegenheit sein könnte, neue Entwicklungen durch den Austausch von "Unwillkürlichkeit und Entschlossenheit" zu schaffen, der nur in Zeiten der Einsamkeit möglich ist. Die unwillkürlichen Flecken und Formen, die durch die Farben der von U-ku ausgewählten Aquarelle entstehen, werden mit seinen eigenen Erinnerungen verglichen, und am Ende werden Motive hinzugefügt. Wenn ein Dritter diese Werke betrachtet, werden sie neu mit verschiedenen Erinnerungen verknüpft, und die Werke gewinnen so viel Hintergrund wie die Anzahl der Betrachter. Es gibt jedoch immer nur einen Eins-zu-Eins-Dialog, und der Betrachter wird mit allen Arten von "Einsamkeit" auf eine Pseudo-Art konfrontiert.

Geburt, 2022, Aquarell, Pigmente, Blattgold, Gesso auf Wasserbasis, Holzplatte H727 × B727 mm.

4 Keiko Aikawa
Es scheint ein Gesicht im Gesicht zu geben. Auch die Person, der wir gegenüberstehen, hat ein Gesicht, das wir nicht kennen. Wir können einen anderen Menschen nie ganz verstehen oder begreifen. Wie können wir die Person selbst sehen?
Bei dieser Arbeit habe ich so gemalt, als ob ich nach einem Gesicht in einem einzigen Gesicht suchen würde.

Can't Help Thinking as Little as Possible, 2022, Öl auf Leinwand, H530 × B652 × T200 mm.

5. Omura Yukino
Die mit bunten runden Aufklebern auf eine schwarze Platte gemalte Nachtlandschaft sieht aus der Ferne wie ein Foto aus, aber wenn man näher kommt, merkt jeder, dass sie mit runden Briefpapieraufklebern gemalt ist. Durch die Darstellung von nächtlichen Landschaften, die die Stadt symbolisieren, mit preiswerten Materialien, drückt das Werk den Widerspruch zwischen monetären Werten und dem Unbehagen der Massenkonsumgesellschaft aus.

Can't Help Falling In Love, 2022, Acrylfarbe, Tafel und Aufkleber h727×b500mm

6. Chihirobo
Unter dem Motto "reamlike reality" (traumähnliche Realität) verdichtet Chihirobo das, was er sieht und wohin er gerade blickt, indem er selbst aufgenommene Fotografien als Material für seine Werke verwendet. Wie viel Aufregung können Sie in der Szenerie vor Ihnen finden? Ich möchte den Menschen vermitteln, wie viel Spaß und Freude es macht, sich von der 'Freude am Entdecken' anstecken zu lassen.

《chihi-robo》 2022, Acrylfarbe, Fotografie h727×b606mm

7. Yurika Horikawa
Das Motiv "occhan" steht für "menschliche" (unisex) Aktivitäten. Ich denke auch über den historischen Hintergrund von Grenzen und Streifen nach und bin der Meinung, dass es die Menschen sind, die sie schaffen und verändern. Der Hintergrund meiner Arbeit umfasst soziale Themen und negative Elemente, aber ich sublimiere sie und fahre fort, als Kunst die Helligkeit und Freude zu vermitteln, die die Menschen sehen können. Ich verkörpere immer das, was mich interessiert, was ich verloren habe und was die negativen Gefühle, die in mir stecken, umkehren kann.

Liesmann 2018 Acrylfarbe, Harz h390×b160×d210mm

8. Maoka Ueda.
Wonky (wackelige und instabile) Tunes (Melodie) ist ein Konzept, mit dem ich in der Vergangenheit immer wieder gearbeitet habe, basierend auf dem Thema, dass Teile eines verzerrten Charakters einer scheinbar unregelmäßigen und doch regelmäßigen kurvilinearen Form in der Natur folgen und in ein melodisches Ganzes integriert und neu rekonstruiert werden. Es ist ein Konzept, an dem ich in der Vergangenheit konsequent gearbeitet habe. Ich verwende Cartoon-Figuren, um die Naturgesetze auszudrücken, die bei genauer Betrachtung regelmäßig und schön sind, und die radiale Ausbreitung der Figuren verändert ihren Ausdruck je nach Richtung der Leinwand und je nachdem, ob man sie aus der Nah- oder aus der Fernperspektive betrachtet.

So wie ein einzelnes Objekt durch verschiedene Interpretationen auf unterschiedliche Weise gesehen werden kann, haben auch die Figuren in den Gemälden verschiedene Ausdrücke, je nachdem, wie sie wahrgenommen werden.

Angela, 2022, Acrylfarbe auf Gesso-Tafel, H455 x B530 mm.

9 Ayaka Nakamura
Ayaka Nakamura malt die Luft und die Emotionen, die sie in der Landschaft spürt, und ihre improvisierte Ansammlung von Linien und Materialien steht für die Bewegung und den Klang des Lebens sowie für Emotionen, die noch nicht in Worte gefasst wurden. Jeder von uns ist ein winziges Wesen, aber viele Leben kommen zusammen, um dieses große Universum zu schaffen. Auch wenn wir nicht direkt daran beteiligt sind, wird der gegenwärtige Moment durch das Leben in dieser Welt geschaffen, und wir fühlen, dass wir ein Teil davon sind. Jede Szene ist ein momentanes Wunder, das aus dem Zusammenspiel des Lebens gewoben ist, und nichts ist mehr so wie vorher. Die Szenerie, die wir sehen, ändert sich je nach unseren momentanen Gefühlen, der Höhe unserer Augen und anderen Faktoren. Eine Landschaft zu betrachten kann bedeuten, sich selbst zu betrachten. Eine Landschaft zu malen kann bedeuten, sich selbst zu malen. Die Betrachtung einer Landschaft und die Betrachtung eines Gemäldes sind in gewisser Weise ähnlich. Ich hoffe, dass meine Arbeiten einen Teil von Ihnen ansprechen werden, wenn Sie sie betrachten.

Finding some kind of peace ##, 2022, Acrylfarbe, Plattierungspigment, Leinwand h1920×w1050

10. aoi kei
Meine Kunst setzt sich aus zwei Hauptanregungen zusammen. Zum einen bin ich Mutter geworden und hatte die Gelegenheit, über meine Vorfahren nachzudenken, und ich war beeindruckt von der Kette des Lebens, dem momentanen Glanz des Lebens im Gegensatz zu seiner langen Geschichte, und der Tatsache, dass ich mitten in diesem Fluss bin. Zweitens war ich vom Realismus der Schöpfung (alles in der Welt, einschließlich Zeit, Raum und Physik) überwältigt, weil ich mich voll und ganz dem Realismus und den zeichnerischen Fähigkeiten verschrieben hatte. Ein weiteres grundlegendes Thema ist es, durch die Malerei einen Blick auf das Reale zu werfen, die Verbindung zwischen dem Realen und dem Menschlichen zu erkennen und "etwas Gutes" auf die Leinwand zu bringen. Ich denke, dass Geräusche und Geschmäcker leicht zu verstehen sind, aber ich möchte wissen, was diese gemeinsame menschliche Wahrnehmung ist, trotz individueller Unterschiede wie 'angenehmes Geräusch', 'unangenehmes Geräusch', 'lecker' und 'schlecht'.
Es wird oft gesagt, Kunst sei frei und Kunst sei Geschmackssache, aber "etwas Gutes" kann auch im visuellen Sinne gefunden werden, und ich glaube, es gibt eine "Antwort" auf die Frage, was schön ist. Ich möchte dies erforschen und Schönheit auf die Leinwand bringen. Das Unsichtbare zu sehen, befreit mich manchmal vom gesunden Menschenverstand und von Annahmen, was ich persönlich genieße, und das ist nun der Zweck meiner realistischen Bilder.
Die meisten Bilder mache ich, wenn ich so bewegt bin, dass es mir schwer fällt, viele meiner persönlichen Werke loszulassen.

Breath, 2020-2022, Öl auf Leinwand, H5000 x B606 x T200 mm.

11. Takaya Eien.
Mein Interesse an den Phasen des Bildraumes hat sich in Verbindung mit einer metaphysischen Untersuchung über das "Was ist Sein" entwickelt. Im Bildraum werden nicht die Individualität und die Form von etwas als "Wesen" gezeigt, sondern die subjektiven Eigenschaften, die das Objekt oder das Naturphänomen im Geist durch seine Wirkung auf die Sinnesorgane erzeugt hat, werden mit mehreren Sinnen wahrgenommen. Die Spuren der Wahrnehmung in räumliche Phasen umzuwandeln, ist die Erfahrung, die ich in meinen Arbeiten mache.
Der so geschaffene Raum ist mehrdimensional, sowohl in semiotischer als auch in perspektivischer Hinsicht. Es gibt keine Trennung zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.
Die Verschmelzung von unregelmäßigen Formen aus Pigmenten und farbigen Flächen schafft einen phänomenalen Bildraum.

Relativität / Relativity, 2022, Pigment und Öl auf Leinen Leinwand H727 x B500 x T20mm

12. Regenbogen der Toten
Mit Acrylfarben und Stiften stellt sie vor allem Gemälde mit feinen Strichzeichnungen aus, die Zusammenbruch und Generation als Schlüsselwörter verwenden und Motive wie ein Mädchen mit entstelltem Gesicht zeigen.
Sie hat auch viele Arbeiten für Buchcover und CD-Hüllen gezeichnet.

Ohne Titel, 2023, Acrylfarbe, Stift, Baumwollleinwand, H606 x B727 x T30 mm.