Quale immagine le viene in mente quando sente il termine "arte contemporanea"?

Ci sono oggetti eccentrici, dipinti bellissimi e pop dai colori ricchi e sensuali, e opere d'arte molto semplici che potreste persino pensare di poter realizzare da soli.

L'arte contemporanea esprime e sfida costantemente i vari ordini del mondo. Al di là dell'artigianato, della fotografia, della pittura e della scultura, gli artisti si esprimono attraverso le loro opere e si rivolgono alla società contemporanea. L'arte contemporanea può essere la forma di artisti che vogliono esprimere qualcosa in risposta alla crescente disoccupazione, al deterioramento della sicurezza e alla disuguaglianza sociale.

In questo numero vi presenteremo alcune opere d'arte contemporanea insolite e opere di artisti interessanti.

Interessante da conoscere! Affascinanti artisti contemporanei e le loro opere rappresentative

Marcel Duchamp.

Opera principale: La fontana (1917).
Marcel Duchamp è spesso definito il "padre dell'arte moderna".
La sua opera Fontana del 1917 era semplicemente un orinatoio maschile rovesciato firmato "R. Mutt".
L'opera è stata acquistata dal museo e poi venduta da un privato nel 2002 per 220 milioni di yen (185 milioni di dollari).
Da allora sono stati espressi molti commenti del tipo: "Questa non è un'opera d'arte!". Perché mai qualcuno dovrebbe pagare un prezzo così alto per un'opera d'arte del genere?". Perché mai qualcuno dovrebbe pagare un prezzo così alto per un'opera d'arte del genere?
Ma queste domande sono proprio ciò che Duchamp intendeva provocare.
Prima di Duchamp, artisti come gli impressionisti e i cubisti, il cui lavoro era innovativo rispetto all'arte classica, creavano opere che erano solo "interessanti da guardare".
Duchamp, tuttavia, criticava questo tipo di opere, definendole "pittura retinica", e insisteva sul fatto che il suo lavoro era "divertente da pensare con la mente".
In effetti, un orinatoio semplicemente firmato non è bello e non è qualcosa che si vorrebbe guardare attivamente, ed è per questo che l'esposizione di un tale oggetto in un museo = l'imballaggio è ciò che crea "arte".
(Per inciso, il nome firmato "R. Mutt" è un nome inventato, un gioco di parole con Mott Works, un produttore americano di prodotti sanitari. In altre parole, si trattava di un gioco di parole altamente improvvisato).
Il lavoro di Duchamp è notevole perché non si concentrava sull'"oggetto", ma sull'unicità del "modo di pensare" o del "modo di vedere" e sulla misura in cui può sconvolgere il senso dei valori dell'osservatore.

Christo e Jeanne-Claude

Opere principali: "Il Parlamento tedesco avvolto" (1971-1995).
Christo e Jeanne-Claude erano marito e moglie artisti contemporanei.
Il marito Christo è nato in Bulgaria e ha studiato alla scuola d'arte della capitale Sofia e all'Accademia di Belle Arti di Vienna prima di trasferirsi a Parigi nel 1958, dove ha lavorato nei primi anni su ritratti e imballaggi in tessuto di lattine e prodotti industriali.
Jeanne-Claude è nata in Marocco e ha studiato latino e filosofia all'Università di Tunisi. Incontra Christo a Parigi e insieme iniziano a esporre le loro opere in spazi pubblici.
I due hanno dedicato un'enorme quantità di tempo e di sforzi a progetti che prevedevano di avvolgere e ricoprire edifici pubblici e altre strutture con grandi pezzi di tessuto.
In questo lavoro, l'edificio del parlamento della capitale tedesca Berlino è completamente avvolto nel tessuto.
Durante le due settimane di durata dell'opera, circa cinque milioni di persone provenienti da tutto il mondo sono venute a vedere l'evento, un evento di tale portata che entrerà nella storia culturale tedesca.
Si dice che Christo e Jeanne-Claude abbiano impiegato 23 anni e 700 pagine di moduli di richiesta per realizzare questo progetto.
Perché hanno impiegato una tale quantità di tempo e di sforzi?
Hanno riconosciuto come arte solo quelle cose che scompaiono fugacemente come una singola goccia di pioggia.
I loro progetti si realizzano spendendo enormi quantità di energia e denaro, ma vengono prontamente smontati e i materiali scartati o distribuiti dopo una sessione di circa due settimane.
Un fenomeno unico e onirico.
L'unicità e l'innovazione della coppia si riconoscono nel fatto che hanno realizzato una bellezza sconfinata su una scala raramente vista nella storia, con quella natura irripetibile come elemento principale.

Olafur Eliasson.

Opere selezionate: "The weather project" (2003).
Olafur Eliasson è un artista contemporaneo di origine islandese nato in Danimarca.
È noto per le sue sculture e installazioni su larga scala che utilizzano elementi naturali come la luce, l'acqua e la temperatura per creare esperienze "naturali" site-specific per lo spettatore.
Nel 1995 ha fondato a Berlino lo Studio Olafur Eliasson, un istituto per la cognizione spaziale.
Nel 2003 ha presentato con successo la mostra "Weather Project" alla Tate Modern di Londra e nello stesso anno ha rappresentato la Danimarca alla Biennale di Venezia, che gli ha portato molti consensi.
Attualmente è uno degli artisti più influenti al mondo.
L'opera riproduce una fonte di luce colorata nel museo con una temperatura simile a quella del sole, creando un luogo dove le persone possono guardare e parlare.
A prima vista, il suo lavoro tratta un fenomeno molto semplice.
In realtà, però, l'opera ha una profondità che ci fa riflettere filosoficamente sull'esperienza, la mediazione e la rappresentazione della natura.

Felix Gonzalez-Torres.

Opere selezionate: "Untitled (Perfect Lovers)" (1987-90).
Felix Gonzalez-Torres, che ha vissuto una vita di minoranza, essendo gay e di origine cubana, ha usato due orologi in quest'opera per rappresentare i due momenti in cui lui e il suo amante, morto di AIDS, hanno vissuto la loro vita insieme.
L'uso di motivi quotidiani si ritrova anche in altre sue opere, come ad esempio una grande collezione di caramelle in un angolo della stanza.
Molto raffinato e ridotto a un'espressione pulita, il suo lavoro dà allo spettatore un'impressione di minimalismo.
Le sue opere, che ci spingono a riconsiderare idee come l'amore, la morte, l'omosessualità, la tolleranza e il tempo, stimoleranno sempre i nostri sensi, senza essere legate a un'epoca specifica.

Hiroshi Sugimoto

Opere selezionate: serie 《Seascape》 (1980-) / 《Arctic Sea, Norr Cup II》 (1989)
Sugimoto esplora costantemente concetti e metodi per catturare l'accumulo e il flusso del tempo al di là dell'esistenza individuale.
È inoltre fortemente influenzato dall'arte concettuale degli anni Sessanta e, per rispetto, ha partecipato alla ricostruzione dell'opera di Duchamp Il grande vetro.
La serie Seascape si basa sul concetto che "la ricerca di un paesaggio comune e universale che gli esseri umani possano vedere mi ha portato all'orizzonte del mare, e fotograferò gli stessi paesaggi nei mari e nei laghi di tutto il mondo".

L'oceano non è stato forse il primo paesaggio che l'uomo abbia mai visto?

Come si sono sentiti i primi uomini che hanno visto il mare?

È possibile per l'uomo moderno vedere gli stessi paesaggi che vedevano gli antichi?".

I mari di varie località, fotografati in modo rigorosamente identico, vengono spogliati dell'identità di località specifica assegnata dall'uomo, sulla base di idee come "Il mare può essere stato visto per primo dall'uomo?
Le "vere" fotografie di Sugimoto hanno una profondità filosofica che le distingue dal lavoro di altri fotografi.

Presentazione degli artisti consigliati da TRiCERA

IIISU

IIISU 2022.09,11
IIISU è il nome collettivo e il nome commerciale del team per le sedie a tubo che sono state trasformate in "opere di vita comune".
Il progetto è nato dall'insoddisfazione per la situazione attuale, in cui le sedie a pipa vengono trattate in modo approssimativo e buttate via quando si rompono, nonostante la loro presenza alle cerimonie di ingresso, di laurea e in varie altre occasioni memorabili.
Vogliamo cambiare il fatto che anche i ricordi e i sentimenti che risiedono negli oggetti vengano gettati via con essi. L'opera è stata realizzata in quest'ottica.
L'obiettivo del progetto è quello di trasformare le sedie a tubo che hanno esaurito il loro scopo in IIISU "cool", "carine" e "comode", in modo che possano essere utilizzate con amore e cura, e di creare un'opportunità per riconsiderare il nostro senso dei valori.

masami ohno

Drago d'oro
L 30,00 cm x H 26,00 cm / 60.000 ¥
Il drago d'oro è una delle bestie divine che compaiono nella mitologia cinese.
Grazie al suo ruolo centrale e al colore che simboleggia, è considerato un portafortuna per dimostrare leadership e generare oro.
Il bagliore della lattina viene trasformato dalla luce naturale e dall'illuminazione, permettendo all'opera di essere apprezzata ancora di più.
Anche le cornici sono realizzate in legno vecchio per adattarsi all'immagine dell'opera.

M. Febriandy

CamouFler
L 35,00 cm x H 45,00 cm
Questo dipinto è stato ispirato da una poesia.
Un'espressione di mimetismo, che gode del vuoto, svuotata di emozioni e impegnata ad annegare in una disperazione quasi cieca.
Il mimetismo è un mezzo di sopravvivenza e si realizza camuffando apparenze, atteggiamenti, colori ed emozioni tra l'esterno e l'interno.
Può essere descritto come una fusione tra pittura e scrittura.

Guarda le ultime opere di TRiCERA ART.

I soci di TRiCERA ART godono di un'ampia gamma di vantaggi e priorità.

- Sconti, tra cui vendite segrete e coupon riservati ai soci.
- Creare la propria collezione registrando i propri artisti preferiti
- Ricevere nuove informazioni su artisti, mostre ed eventi popolari.
- Ricevere una newsletter settimanale con opere d'arte selezionate.
- Scoprite che tipo di arte vi piace con la nostra valutazione personale.

Registrati gratuitamente come membro e ricevi le ultime informazioni.

Registrazione gratuita