L'artiste Aoi Kei crée principalement des peintures réalistes basées sur le concept du "réalisme imprégné de vie et d'espace, et du réalisme et de la beauté trouvés en confrontant le réalisme".L'artiste Kei Aoi crée principalement des peintures réalistes basées sur le concept du "réalisme imprégné de vie et d'espace, et du réalisme et de la beauté trouvés en confrontant le réalisme".

Dans son exposition personnelle "Entanglement of Things", qui se tient actuellement à TRiCERA, elle présente un défi à un nouveau style, avec des œuvres qui fusionnent la figuration et l'abstraction. Comment est-elle parvenue à ce nouveau style d'expression ?

Dans cet article, nous nous pencherons sur les œuvres présentées dans cette exposition et sur son travail futur à travers un entretien avec Kei Aoi.

À propos de Kei Aoi

Kei Aoi est une artiste née dans la préfecture de Gifu.

Autodidacte en peinture, elle a peint des tableaux réalistes au début de sa carrière et a été sélectionnée pour le 4e grand prix du musée Hoki. En poursuivant le réalisme, elle a commencé à s'intéresser à la "nature" et au "moi", qui est formé par l'entrelacement de la "nature", et a approfondi sa contemplation du "moi" et de l'"ego".

Ces dernières années, alors que sa vision unique du monde s'est approfondie, Aoi a continué à créer des œuvres ambitieuses qui combinent abstraction et figuration, comme les motifs marbrés qu'elle a créés.

En tant que peintre, le défi d'exprimer la véritable nature des images en peinture : " River ".

─ ─ Pour votre exposition personnelle "Entanglement of Things", vous avez créé quatre œuvres qui combinent paysage et marbre, comme "River" et "After the Rain". Y a-t-il un terrain spécifique dans cette série que vous avez utilisé comme modèle pour votre travail ?


Vue de l'exposition.

　Chacune de ces quatre peintures représente un paysage que j'ai trouvé magnifique dans la préfecture de Gifu, où je vis. Peut-être parce que je suis né et que j'ai grandi dans une préfecture de l'intérieur, j'ai aussi une préférence pour les rivières plutôt que pour la mer.


'Rivière'.

─ ─ Le scintillement de la lumière à la surface de l'eau dans "River" montre le haut niveau des compétences photoréalistes d'Aoi. Les motifs de marbre colorés qui apparaissent en haut à droite et en bas à gauche de l'image sont encore plus impressionnants. Pourquoi avez-vous choisi ce type de composition d'écran ?

　J'ai peint cette œuvre parce que lorsque le monde est entré dans mes yeux et s'est transformé en image, j'ai eu l'impression que l'image était trop bien organisée. La lumière est censée être divisée en différentes couleurs, mais au moment où elle entre dans l'œil, elle est perçue comme une image sans bruit, parce qu'elle a été arrangée.

　Mais je pense que les peintres savent trouver les reflets diffus de la lumière qui apparaissent lorsque certaines conditions sont réunies, comme une fuite d'huile dans la mer ou un arc-en-ciel, ce qui est la vraie nature des images...... par exemple. Moi-même, ainsi que les impressionnistes du 19e siècle, avons fait de même, et c'est pourquoi ils ont utilisé différentes couleurs pour représenter la lumière.

　Dans cette œuvre, j'ai donc essayé d'extraire et de représenter ces couleurs de la lumière. J'ai aussi l'image d'exprimer le monde en coulisses dans le marbre.


River (partie).

─ ─ Comment la technique de marbrure utilisée dans "River" est-elle représentée ?

　Lorsque je crée une œuvre, j'étale d'abord de la peinture acrylique mélangée à du médium* pour créer un motif marbré. Ensuite, je peins la partie paysage à l'huile par-dessus. Les gens sont souvent surpris lorsque j'explique cela aux clients de la galerie, car ils pensent souvent que j'ai terminé le paysage à l'huile et que j'ai ajouté les marbrures par-dessus.
* Les marbrures sont un additif sur une pâte qui est mélangée à la peinture acrylique. Il est utilisé pour ajouter de l'éclat et soulever la peinture.


'Après la pluie'.

─ ─ Dans cette série, vous avez d'abord réalisé 'River', puis 'Sunny Day', 'After the Rain' et 'Cloudy Day'.

　Il s'est écoulé un certain temps entre la production de "River" et celle des trois autres, et je pense donc que mon approche a quelque peu changé.
　Par exemple, dans "River", j'ai utilisé des marbrures pour exprimer la réflexion diffuse de la lumière sur la surface de l'eau, alors que dans "After the Rain", j'ai dessiné des marbres en utilisant uniquement les couleurs extraites de la zone sous le thème "Qu'est-ce qui se cache dans une certaine partie de ce paysage divisé par un carré ? En outre, je pense personnellement que c'était un défi d'exprimer toute la partie inférieure de l'écran en marbre dans After the Rain.

Capturer la "nature" en dehors de l'"ego" : "Yggdrasill".

Yggdrasill.

─ ─ Dans cette exposition, vous avez également présenté une série de neuf œuvres, Yggdrasill. Quel est le concept qui sous-tend cette œuvre ?

　J'ai créé Yggdrasill avec l'idée de dépeindre la complexité du monde. Yggdrasill, d'où le titre, est un arbre-monde de la mythologie nordique qui contient neuf mondes.
　L'œuvre présente une structure en trois couches : d'abord le " néant " noir de jais, puis le " Mino washi ", qui représente les règles tissées par l'univers, et un motif de peinture acrylique marbrée, qui représente le chaos.

─ ─ J'ai cru comprendre que vous aviez utilisé une grande variété de matériaux, mais comment s'est déroulé le processus de production ?

　La base du panneau est peinte en noir et le papier japonais Mino est incrusté à l'aide d'un médium. C'est comme un collage.


Yggdrasill (partie).

─ ─ Pourquoi avez-vous utilisé le Mino Washi ?

　Un ami de mon grand-père utilisait du Mino washi pour fabriquer des lanternes. Je voulais incorporer l'artisanat traditionnel de Gifu, d'où je suis originaire, dans l'art, alors j'ai consulté cette personne et j'ai produit ceci à partir de Mino Washi lui-même.

─ ─ Vous l'avez produit vous-même à partir du Mino Washi ?

　Oui, il a été produit à partir du Mino Washi lui-même. En bref, le Mino Washi est produit en filtrant la matière première, le kouzo, sous forme liquide. De plus, un motif original a été ajouté au Mino Washi cette fois-ci. Lorsqu'un moule est placé sur le papier fabriqué et que de l'eau est versée dessus, le motif apparaît parce qu'il devient mince, à l'exception de la partie où se trouve le moule. Pour ce motif, j'ai voulu créer un motif créé par la nature et j'ai donc opté pour un motif géométrique.

Je suis attirée par les motifs qui combinent la beauté et la laideur symétriques : "Fleurs et papillons de nuit".

Fleurs et papillons de nuit



'Leftover'.

─ ─Vous avez peint "Flowers and Moths" dans cette exposition personnelle et"Leftover", qui utilise les ailes de campagnols comme motif, dans votre exposition personnelle "Peek" qui s'est tenue à TRiCERA l'année dernière.

　J'ai toujours été attirée par les insectes simples. Je pense qu'une peinture n'est pas intéressante si elle n'est que belle ou laide, et que les deux doivent coexister comme le yin et le yang. À cet égard, je suis attiré par les insectes parce que ce sont des dessins symétriques qui incarnent les règles de la nature et que, malgré leur beauté inhérente, ils sont également laids.

Encouragé à faire un pas en avant : "Still Got My Soul" (Toujours mon âme)

'Still Got My Soul'.

─ ─ Y a-t-il une œuvre de l'exposition à laquelle vous êtes le plus attaché ?

　Je dirais "Still got my soul". J'ai toujours manqué de confiance en moi, et ma première exposition personnelle a eu lieu en 2021, mais elle n'a été possible que grâce aux encouragements constants de mon entourage. Je pense donc avoir vécu ma vie avec le soutien des autres.

　D'un autre côté, il semble que je n'ai pas bien construit mon identité dans mon enfance, et on m'a récemment diagnostiqué un 《Attachment Disorder》 (trouble de l'attachement) et analysé comme "vous n'avez pas de vous-même". Il semble que vous n'ayez pas une volonté propre très forte, ou que vous vous fondiez rapidement dans la nature et les autres autour de vous.

　Dans "Still got my soul", vous représentez deux personnes. Celui de gauche est moi, mais pas moi-même, possédé par une autre personne. D'autre part, celui de droite est le vrai moi. J'ai dépeint le moment où je passe à l'étape suivante, encouragé par les autres.

Je veux poursuivre l'expression

─ ─ Je pense que vous avez cherché à fusionner la figuration et l'abstraction cette fois-ci, mais avez-vous une vision pour votre travail futur ?

　Cette fois, j'ai expérimenté la marbrure dans mon travail avec la série " River ", mais j'aimerais aller au-delà et poursuivre diverses formes d'expression. À travers ma production, j'espère approfondir ma compréhension de la relation entre la "nature" et le "moi", ainsi que du "moi" et de l'"ego" au sein du "moi", qui se forme sous l'influence de la nature.

Exposition personnelle "Entanglement of Things" jusqu'au 28 octobre (samedi).

9s Gallery présente actuellement l'exposition "Entanglement of Things" du 2023/10/20 (vendredi) au 2023/10/28 (samedi).

Cette exposition présente un groupe d'œuvres créées par Kei Aoi alors qu'elle contemple la " nature " et le " soi ", qui est formé par l'entrelacement de la " nature ", et qu'elle approfondit sa contemplation du " soi " et de l'" ego ". Les œuvres exposées couvrent un large éventail de thèmes, allant de l'observation approfondie de la nature à des œuvres créées dans le cadre du processus de confrontation avec l'ego, qui est le noyau du moi.