1. la Mona Lisa

(c. 1503-19)
L'œuvre d'art la plus célèbre du monde, la Joconde, attire chaque jour des milliers de visiteurs au Louvre et les captive par son regard mystérieux et son sourire énigmatique.
À première vue, le portrait d'une jeune femme portant un voile fin, des couleurs sobres et sans bijoux semble banal. Cependant, il a certainement un effet perplexe sur le spectateur en même temps.
La seule chose que les personnes qui ont vu le tableau disent de lui est qu'il est étonnamment petit.
En fait, comparé aux foules qui ont afflué pour voir l'œuvre la plus célèbre du monde, il semble bien petit. Mais on peut tout aussi sûrement sentir le talent exceptionnel de Léonard se manifester dans la petite taille du tableau.

Les visages des sujets sont dessinés avec douceur, ce qui témoigne de la maîtrise de Léonard de Vinci du sfumato (une technique artistique qui utilise de subtils dégradés d'ombre et de lumière plutôt que des lignes pour représenter les formes).
Le voile délicatement peint, les cheveux finement tissés et le rendu minutieux du tissu plié révèlent également l'inlassable patience de Léonard pour recréer ses observations.
La réalité est encore renforcée par l'expression légèrement amusée du visage du sujet. Le spectateur ne sait pas si son sourire est charmant ou dérisoire, car elle est une figure complexe qui, comme les humains, incarne simultanément des caractéristiques contradictoires.

2. la dernière Cène

(c. 1495-98)
La Cène, l'un des tableaux les plus célèbres au monde, a été commandée par Ludovico Sforza, duc de Milan, pour l'église de Santa Maria delle Grazie, un couvent dominicain.
Cette église était également le patron de la première résidence de Léonard à Milan.

Dans l'Évangile de Matthieu, où Jésus déclare que l'un de ses apôtres le trahira et lui donne le calice, la scène de la trahison est représentée comme un récit continu dans cette fresque.
Léonard, qui s'intéressait à la manière dont le caractère d'une personne s'exprime dans sa posture, ses expressions faciales et ses gestes, dépeint les réactions de chacun des disciples à la proclamation de Jésus de différentes manières expressives et gestuelles.
Les postures des apôtres semblent se lever et s'abaisser, s'étirer et se contorsionner, s'entrelacer, chuchoter, crier, se lamenter et se disputer, avec Jésus assis tranquillement au centre.
En raison de la méthode de peinture expérimentale consistant à appliquer deux couches de détrempe et de peinture à l'huile sur la base, l'écran s'est décollé peu après son achèvement. Il a maintenant été restauré et a acquis une durabilité robuste.

3. le dessin vitruvien du corps humain

Le dessin de Léonard de Vinci intitulé "Figure vitruvienne du corps humain" a été réalisé dans l'un des nombreux carnets qu'il a gardés avec lui pendant ses années de maturité.
Elle est accompagnée de notes écrites en écriture miroir sur les proportions idéales du corps humain telles qu'elles sont données par l'architecte romain Vitruve dans ses livres d'architecture au 1er siècle avant J.-C..
L'image montre que Vitruve a enseigné que l'être humain idéal s'inscrit dans les formes incompatibles d'un cercle et d'un carré.
Léonard a donc superposé deux figures, l'une d'un homme aux bras tendus de manière à ce qu'il s'inscrive dans un carré, et l'autre aux jambes tendues de manière à ce qu'il s'inscrive dans un cercle.
Le travail montre non seulement un effort pour comprendre un texte important, mais aussi une volonté de le développer davantage.
Bien que Léonard n'ait pas été le premier à dessiner le concept de Vitruve, celui-ci est devenu par la suite l'un des dessins les plus emblématiques de la période de la Renaissance, en partie parce que la fusion des mathématiques, de la philosophie et de l'art était un symbole approprié de la Renaissance. Le dessin fait aujourd'hui partie de la collection de la Gallerie dell'Accademia de Venise, mais n'est généralement pas exposé et est conservé dans des archives climatisées.

4. Autoportrait.

(c. 1490/1515-16)
La peinture à la craie rouge d'un vieil homme aux longs cheveux ondulés et à la barbe a longtemps été considérée comme un autoportrait, et de nombreuses personnes y pensent lorsqu'elles pensent à Léonard.
Toutefois, certains spécialistes ont fait valoir qu'avec son visage buriné, ses sourcils froncés et ses yeux bridés, le personnage semble beaucoup plus âgé que Léonard ne l'était lorsqu'il est mort à l'âge de 67 ans.
Ils suggèrent que ce portrait pourrait être l'une des esquisses grotesques du personnage qu'il ne cessait de dessiner dans ses carnets.
Quoi qu'il en soit, ce portrait se démarque des autres belles peintures de Léonard et semble évoquer la noblesse et la sagesse des années de maturité de l'artiste.

5. la Vierge des Grottes

(c. 1483-86)
De nombreux spécialistes pensent que la Madone des Rochers du Louvre est l'un des deux tableaux représentant la légende de l'Apocalypse, à savoir la rencontre entre la Sainte Famille et Jean Baptiste, qui a fui le "massacre des innocents" d'Hérode en Égypte.
Une longue bataille juridique s'est engagée avec l'église de l'Immaculée Conception, qui avait commandé l'œuvre, et Léonard en a peint une autre version vers 1508, qui se trouve aujourd'hui dans la collection de la National Gallery de Londres.

On dit de ce premier tableau qu'il annonce l'arrivée de l'âge d'or de la Renaissance de Léonard.
Les peintures de cette période représentent généralement des personnages dans une disposition linéaire, séparés les uns des autres et aux formes rigides.
Dans La Vierge des rochers, en revanche, la Vierge Marie, l'Enfant Jésus, l'Enfant Jean et l'Archange sont disposés en pyramide, occupant non seulement l'espace, mais faisant des gestes et se regardant les uns les autres.
La jeune Marie est assise sur le sol rocheux mystique, plutôt que sur un trône comme le montrent de nombreuses peintures du début de la Renaissance.
Son corps semble se balancer alors qu'elle penche la tête pour protéger l'enfant Jean, agenouillé et priant à gauche, comme pour le pousser vers l'enfant Christ à droite.
L'archange pointe vers Jean dans une pose complexe, en jetant un regard vers le spectateur, tandis que Jésus bénit Jean. Léonard a également éliminé les symboles sacrés traditionnels que sont l'auréole pour Marie et le Christ et le bâton pour Jean, de sorte que la Sainte Famille apparaît moins divine et plus humaine.

6. Tête de femme.

1500-10
Il s'agit d'une petite œuvre de peinture.
Il représente une jeune femme, la tête inclinée vers l'arrière et les yeux baissés. La figure rappelle la Vierge Marie de la Madone des rochers de Léonard de Vinci, et l'on pense que la même femme a pu servir de modèle.
Le surnom du tableau, "La scapigliata", se traduit par "l'ébouriffée" et fait référence aux bouquets de cheveux ébouriffés de la jeune femme.
Bien que les bouquets de cheveux et les épaules soient dessinés de manière lâche, le visage est très fini, modelant délicatement les traits délicats de la femme, de ses paupières lourdes à ses lèvres douces.
L'œuvre révèle la maîtrise de Léonard de Vinci dans le modelage des contours par des traits expressifs et dans la réalisation des détails par un rendu soigneusement contrôlé.

7. dame tenant une martre

(c. 1489 - 1491)
De nombreux historiens de l'art pensent que la jeune femme représentée dans La Dame au Baijiao est Cecilia Gallerani, maîtresse du mécène de Léonard, le duc Ludovico Sforza de Milan.
La martre blanche était souvent utilisée comme armoiries du duc.
La femme est tournée vers la droite, ses yeux brillants semblant être dirigés vers quelque chose hors du cadre.
Bien que cette peinture ait fait l'objet d'un travail considérable au pinceau, notamment l'assombrissement du fond, elle montre toujours la connaissance de l'anatomie de Léonard et sa capacité à exprimer la figure en termes de posture et d'expression.
Le visage réticent, le regard attentif et la douce étreinte de la martre imposante et alerte, la tête inclinée vers l'arrière, montrent la jeunesse et la bonté de la noble femme.
Ses mains fines montrent le squelette complexe sous la peau, tandis que la tête de l'ocotillo semble également donner une idée du crâne sous la fourrure minutieusement peinte.

8. Salvador Mundi.

(c. 1500)
En 2017, un portrait Salvator Mundi (vers 1500, "Sauveur du monde") a fait la une des journaux lorsqu'il a été vendu aux enchères pour un prix record de 405,3 millions USD.
Le prix élevé était d'autant plus surprenant que le Salvator Mundi était en mauvais état, que son authenticité était mise en doute et que son authenticité faisait l'objet de débats entre les spécialistes et les critiques.
De nombreux experts ont souligné la mauvaise technique utilisée pour représenter le visage de Jésus, la posture raide qui est bien différente de la pose virevoltante caractéristique des maîtres de la Renaissance, la représentation peu convaincante de la boule de verre et les astuces optiques que Léonard aurait connues, qui, si elle était raide, aurait déformé le reflet de son propriétaire.
Cependant, Christie's, qui a exposé l'œuvre, a balayé ces critiques, affirmant que la mauvaise facture était le résultat des grandes restaurations du siècle précédent, et que le moulage souple de la main droite de Jésus et la délicatesse des boucles serrées étaient similaires à la technique de Léonard.
Le restaurateur a également affirmé avoir confirmé que le tableau avait été peint avec les mêmes matériaux que ceux utilisés par Léonard, en particulier l'outremer, un pigment bleu coûteux et de haute qualité utilisé uniquement par les maîtres.
Indépendamment de son authenticité, l'intérêt suscité par l'œuvre et les enchères élevées lors de la vente aux enchères auraient certainement témoigné de la réputation immortelle de Léonard et de sa position puissante dans l'histoire de l'art au cours des cinq siècles qui ont suivi sa mort.

9. portrait de Ginevra de Benci

(c. 1474/78)
Le Portrait de Ginevra de Benci, exposé à la National Gallery of Art de Washington, D.C., est le seul tableau de Léonard de Vinci exposé en permanence dans l'hémisphère occidental.
Il s'agit d'une œuvre précoce, achevée par Léonard au début de sa vingtaine, qui donne un aperçu des méthodes non conventionnelles qu'il utilisera tout au long de sa carrière.
Influencé par les peintres scandinaves, Léonard de Vinci a rompu avec la tradition en représentant la majestueuse jeune femme de trois quarts plutôt que de profil, et on pense qu'il a été le premier Italien à peindre une telle composition.
La vue de trois quarts a été adoptée par la suite pour tous les portraits, y compris celui de la Joconde, et est devenue la norme en matière de portrait, et est toujours utilisée de nos jours.
Il a également été suggéré que Léonard aurait peint avec ses doigts lorsque la peinture était encore dure, car les empreintes digitales restent à la surface de la peinture.

Au revers, une couronne de lauriers et de palmiers entoure un brin de genévrier (Ginepro en italien), tandis que chaque plante est entourée d'un parchemin latin où l'on peut lire "La beauté orne la vertu".
L'avers est tronqué et on pense que la partie inférieure de la peinture a pu être coupée en raison d'un dégât des eaux ou d'un incendie.
Certains chercheurs ont émis l'hypothèse que le portrait de l'avers pouvait représenter les mains de Ginevra, et il est possible que l'étude des bras et des mains à la pointe d'argent conservée dans la collection du château de Windsor ait été utilisée comme dessin préparatoire.

10. La Vierge à l'Enfant avec Sainte Anne

(c. 1503-19)
La Madone et l'Enfant avec Sainte Anne est considérée comme la dernière œuvre de Léonard.
On considère généralement qu'il s'agit de la dernière œuvre de Léonard à représenter la Sainte Famille en trois générations - Sainte Anne, sa fille, la Vierge Marie et l'Enfant - dans le style canonique qu'il avait établi.
Debout au sommet de la composition pyramidale, Anne regarde Marie, assise à genoux, tandis que la Vierge retient doucement le Christ qui chevauche l'agneau.
Contrairement à l'enfant savant que Léonard a dépeint dans La Vierge aux rochers, le Christ de la Vierge et l'Enfant avec Anne montre une enfance innocente et enjouée et semble avoir une expression de confiance lorsqu'il rencontre le regard de sa mère.
Les interactions intimes entre les personnages montrent la capacité de Léonard à exprimer des relations humaines convaincantes.

Elle témoigne également de l'engagement de longue date de Léonard de Vinci à exprimer un espace tridimensionnel en deux dimensions.
Comme dans beaucoup de ses œuvres, les personnages sont également placés dans des paysages fantastiques. Dans son traité de peinture, il utilise la technique de la "perspective aérienne" pour exprimer un sentiment de distance en faisant apparaître les montagnes rocheuses de l'arrière-plan plus pâles que le paysage du premier plan.
Il a utilisé cette technique dans de nombreux paysages de ses premières œuvres, comme La Joconde et La Vierge des rochers.